Los Conuko Band Roots siguen repartiendo «Buena Vibra»

«Buena Vibra», es el nombre del segundo corte promocional del álbum «Fruto del Árbol», de Conuko Band Roots el cual lanzaron ayer viernes 23 de agosto de 2019 por las plataformas digitales y por el programa radial «Sonido Morning» de Sonido HD, y Super7 FM para todo el país.


«Que alegría poder entregar otro tema más de los siete de esta producción, estaremos estrenando cada quince días hasta octubre un sencillo para darle a todos la oportunidad de saborear los frutos de este álbum que hemos hecho con amor para ustedes» así comentó Dtroya Lion, quién además dijo sentirse complacido con la aceptación del tema «Caballero» lanzado el pasado mes de julio.


Los «musicultores» como se hacen llamar los miembros de esta banda, compartirán tarima con Riccie Oriach este domingo 25, en Santiago, en La Ñapa Valley, en la actividad Summer Bruch 3, despidiendo el verano.


Sin dudas Conuko Band Roots han tenido un año muy activo entre festivales y conciertos, sumando nuevos seguidores y aportando su granito de arena al movimiento alternativo de la República Dominicana.


«Buena Vibra» es un tema del género reggae, producido por Joel Berrido y masterizado en en Colombia y Brasil por Classic Master Latinoamérica, está disponible en todas las plataformas digitales de spotify, youtube, itunes, deezer, cdbaby, entre otros…


Conuko estará participando el próximo mes de septiembre en el «Festival Origen» en San Francisco de Macorís, junto a Casabe Añejo, Gran Poder de Diosa, Toné Vicioso, entre otros…


«Que alegría poder entregar otro tema más de los siete de esta producción, estaremos estrenando cada quince días hasta octubre un sencillo para darle a todos la oportunidad de saborear los frutos de este álbum que hemos hecho con amor para ustedes» así comentó Dtroya Lion, quién además dijo sentirse complacido con la aceptación del tema «Caballero» lanzado el pasado mes de julio.


Los «musicultores» como se hacen llamar los miembros de esta banda, compartirán tarima con Riccie Oriach este domingo 25, en Santiago, en La Ñapa Valley, en la actividad Summer Bruch 3, despidiendo el verano.


Sin dudas Conuko Band Roots han tenido un año muy activo entre festivales y conciertos, sumando nuevos seguidores y aportando su granito de arena al movimiento alternativo de la República Dominicana.


«Buena Vibra» es un tema del género reggae, producido por Joel Berrido y masterizado en en Colombia y Brasil por Classic Master Latinoamérica, está disponible en todas las plataformas digitales de spotify, youtube, itunes, deezer, cdbaby, entre otros…


Conuko estará participando el próximo mes de septiembre en el «Festival Origen» en San Francisco de Macorís, junto a Casabe Añejo, Gran Poder de Diosa, Toné Vicioso, entre otros…

Sara Acero lanza nuevo Sencillo”AURORA”

Sara Acero se encuentra en el  lanzamiento de su nuevo sencillo “AURORA” en todas las plataformas digitales acompañado de un VideoLyric grabado en Mallorca, España.

Después de su debut como solista (“Todo Estará Mucho Mejor”), Sara vuelve con una canción que lleva en ella un mensaje de esperanza y amor por la vida, “AURORA” es una fusión de ritmos, sonidos y contrastes únicos.

“Para mí es la culminación de un trabajo que representa todas las adversidades que pasamos como humanos, teniendo la tranquilidad de que existe un mañana”, dice Sara.

Cuenta con grandes intérpretes de Cali Colombia quienes hicieron un equipo musical impecable.

Camilo Carvajal, Compositor, coproductor  y arreglista (Productor Pa’ las que sea Estudio – Live ,  Exintegrante Cirkus).

Mulatho, Teclado (Grupo Bahía, La Pacifican Power, Chirimía de Primera, La Mojarra Eléctrica y Pazcífico Sinfónico entre otros).

Andrés Sánchez, Guitarra (Espiral7, Grupo Bahía).

Jayer Torres, Percusión (Grupo Gualajo, Africali).

Roger Torres, Trompeta (La Mambanegra, Los Hermanos Lebrón).

Contando con la producción de Tiago Montesdeoca y de nuevo por la masterización de Carlos Freitas en Classic Master, Brazil.

Sara se encuentra de gira promocional en las Islas Baleares, España. Estará presentándose en diferentes lugares de Mallorca, Barcelona y Madrid, también está trabajando en su siguiente sencillo de la mano de Mono Estudio, Mallorca (se lanzará a finales de Septiembre).

Con más de 7 millones de reproducciones, Pantoja está listo para lanzar su nuevo material y conquistar a México

Dentro del enorme abanico de las músicas colombianas hay ciertos nombres que al evocarse despiertan un profundo respeto gracias a su trayectoria. Este es el caso de Pantoja: cantautor, guitarrista y productor, está listo para lanzar su tercera producción discográfica y ganarse el corazón de los mexicanos, justo como lo ha hecho en su natal Colombia. Tan difícil de entender ya cuenta con dos adelantos: los sencillos “Cómo me sientas tú tan bien”, que superan ya las 100 mil reproducciones en Spotify, y “El Plan”, lanzado el 26 de julio.

La carrera de Pantoja comenzó hace poco más de dos décadas, cuando acompañaba en la guitarra a Andrés Cepeda. Más de ocho años trabajaron juntos no sólo en la interpretación de las canciones de Cepeda, sino también en la composición y la producción. Los discos El Carpintero y Mil ciudades dan cuenta de esta dupla, siendo el último el que valió la nominación en los Latin Grammy, en 2015, como Mejor Productor.

2013 fue el año en que Pantoja decidió comenzar su carrera en solitario, explorando la expresividad de su guitarra y su voz para dar vida a canciones de su propia autoría. Así llegó Viarteria, una colección de diez temas que nos permitieron apreciar su calidad como compositor e intérprete y que le valieron hacerse un importante lugar entre los amantes de la música íntima en Colombia. Dos años más tarde llegó Trébol, un álbum entrañable en el que Pantoja se asoma a las canciones que marcaron su infancia: nueve temas de compositores latinoamericanos con arreglos sencillamente deliciosos. Por si fuera poco, en este álbum colaboraron amigos y colegas de Pantoja, de la talla del propio Andrés CepedaFonsecaJuan Pablo VegaJosé Quiñones y Chabuco.

Asiduo de las noches bohemias, esas que se desgranan al calor de la guitarra,Pantoja da vida a sus temas en compañía de sus amigos. Escuchar cada una de sus canciones representa entrar en contacto con un estilo muy particular: el de la música íntima, cercana y de una profundidad sentimental cocinada al calor del bolero; pero también el de un excepcional talento en la ejecución de su instrumento, traducido en una propuesta por demás auténtica. 

Tan difícil de entender, construido a dúo con Juan Pablo Rentería, sigue esta línea de trabajo y la lleva más allá: tomando como punto de partida el bolero, Pantoja lo emparenta con otros sonidos de origen latino. El resultado: un disco lleno de matices que van de la melancolía al optimismo; de la amargura de lo perdido a la felicidad de alcanzar un sueño; del más hondo amor a la alegría de vivir. Esta es la tercera entrega de Pantoja y ha decidido esparcirla por el mundo, comenzando por México. 

CÓMO LOS SELLOS DISCOGRÁFICOS INDEPENDIENTES REINVENTARON LA MÚSICA COLOMBIANA

ANA LUISA GONZÁLEZ · JUNE 2018

El escenario sonoro de Bogotá, Colombia es muy diverso. Esto, en gran parte, se debe al trabajo de los sellos discográficos independientes que durante las últimas dos décadas han ampliado su repertorio para incluir los sonidos de ritmos rurales colombianos.

Aunque la curiosidad por los sonidos regionales ha sido una fuente de inspiración recurrente desde 1940, hubo un resurgimiento que empezó a manifestarse desde inicios del 2000 con el nacimiento de bandas como CurupiraMojarra Eléctrica y Puerto Candelaria. Curupira es una banda que usa tambores y gaitas, instrumentos tradicionales de la costa Caribe, mientras que la Mojarra Eléctrica y Puerto Candelaria mezclaron música tradicional afrocolombiana de la región del Pacífico con jazz, rock y funk.

Según el músico y musicólogo Andrés Gualdrón, “el surgimiento de estas bandas coincide con el nacimiento de sellos discográficos independientes que hicieron sus propias grabaciones que, algunas de ellas, alcanzaron una visibilidad internacional”. Entre estos sellos están Palenque Records (1996), La Distritofónica (2004), Llorona Records (2007), Festina Lente Discos (2009) y Sonidos Enraizados (2012) quienes se convirtieron en promotores, curadores y documentalistas de la evolución de esta escena musical. Al mismo tiempo, ayudaron a circular la música de artistas rurales y locales en centros urbanos y alrededor del mundo.

Algunos de estos sellos se han beneficiado del mercado del “word music” para vender sus álbumes en otros países.

Algunos de estos sellos se han beneficiado del mercado del “word music” para vender sus álbumes en otros países. Este es el caso de Llorona Records, un sello independiente que lleva 11 años y busca mostrar la riqueza musical colombiana construyendo puentes entre sonidos tradicionales y lenguajes musicales contemporáneos para atraer a audiencias más jóvenes.

“Llorona Records llegó en un momento en el que había un movimiento en la escena musical colombiana de rencontrarse con nuestra herencia musical”, dice el cofundador del sello, Diego Gómez. El catálogo de Llorona varía desde los ritmos como el calypso de Elkin Robinson, un músico de la Isla Providencia del Caribe colombiano, hasta Los Gaiteros de San Jacinto, una de las agrupaciones de gaita más importantes y de mayor tradición en el país. Pero Llorona es más que un sello discográfico. Desde la mirada de Gómez, un sello es como una sombrilla: “Por más de diez años, hemos producido eventos, conciertos, festivales y hemos liderado proyectos de emprendimiento”.

Algunos de estos sellos empezaron como una respuesta al surgimiento de una escena de la nueva música colombiana, mientras que otros fueron el resultado de una búsqueda artística particular. A mediados de 1990 el cineasta y productor Lucas Silva viajó a San Basilio de Palenque, un corregimiento de Bolívar en el norte de Colombia, para grabar un documental sobre la champeta, un estilo de música bailable basado en ritmos africanos que llegó a través de vinilos en 1970 y 1980 a la Costa del Caribe colombiano.

Silva terminó conociendo a varias bandas afrocolombianas de Palenque y Cartagena, incluyendo al Sexteto Tabalá, una agrupación que combina el son cubano tradicional con percusiones y claves afrocolombianas. En ese entonces, la banda tocaba principalmente en funerales y fiestas; el sexteto era muy poco conocido en otras regiones más allá de San Basilio.

El cineasta llevó el Sexteto Tabalá para presentarse en un concierto en Bogotá y luego grabó su primer álbum, lanzado a través del sello Ocora de Radio Francia en 1998, cuyo disco le dio mucha visibilidad al grupo y pronto tuvo una acogida en centros urbanos.

Esto fue el comienzo del sello independiente Palenque Records, que busca promover música afrocolombiana contemporánea. Ahora, 20 años después de su creación, Palenque Records está detrás de la producción de 18 discos de cumbia y champeta de artistas como Son Palenque, Michi Sarmiento y Abelardo Carbonó, uno de los padres de este género.

“ahora es un muy buen momento para estar en Bogotá y hacer música. También hay más posibilidades y espacios en el mercado”. 
—Alejandro Forero

Uno de los colectivos musicales más persistentes que organiza festivales de música y produce sus propios discos es La Distritofónica. En el 2004, ocho músicos se dieron cuenta que si trabajaban juntos, podían sacar adelante sus propios proyectos. Para Alejandro Forero, miembro de La Distritofónica, el colectivo es “una forma de crear una memoria de los músicos del colectivo pero también es un encuentro entre amigos”. Y agrega que, durante estos últimos 14 años, los escenarios musicales fueron muy importantes, así como las grabaciones, porque reunieron varias bandas de la escena independiente en Bogotá. 

La audiencia de La Distritofónica ha venido creciendo, así como la curiosidad musical del colectivo. Forero agrega que “las producciones discográficas han generando un público que, pese a que es pequeño, ha ido creciendo en estos últimos años y permanece relativamente estable”. Más allá de la audiencia, la escena bogotana está en un momento muy vital. Según Forero, “ahora es un muy buen momento para estar en Bogotá y hacer música. También hay más posibilidades y espacios en el mercado. Vemos que las bandas están organizando más giras, aplicando a convocatorias, viajando al exterior o haciendo conciertos internos”.

Por varios años, Luis Daniel Vega, periodista musical y director del programa de radio, Señal Cumbia, ha seguido la escena del jazz y la música experimental de Chapinero en Bogotá. Como coleccionista de música, siempre quiso saber quién estaba detrás de los sellos discográficos. Fue así que Vega, en 2009, creó Festina Lente Discos junto con un amigo, un sello que empezó a documentar una manifestación sonora particular en Bogotá. Su primer álbum, “Meleyólamente”, del pianista Ricardo Gallo y el guitarrista Alejandro Flórez, fue grabado en la sala de la casa de una amiga. Este es un sello que busca acercamiento móvil a la grabación, de calidad profesional, pero que no busca la perfección.

“Somos fetichistas y nos gustan los objetos, los discos”, dice Vega. Festina Lente, más que un sello profesional, es un proyecto motivado por el acto musical que graba un espectro mucho más amplio que solo jazz. Ahora tienen un catálogo de 25 discos, que incluye trabajos de Los Pirañas, una banda tropical de punk instrumental; Las Añez, dúo de hermanas gemelas que mezcla sonidos locales con música contemporánea; Mugre, otro dúo de post punk experimental y la nombrada banda Curupira. También han grabado música de cámara y música tropical experimental.

Para Vega, los sellos independientes ponen “una balanza al gran monopolio de los sellos más dominantes que dictan qué es lo que hay que escuchar. Viene bien que muchas manifestaciones actuales de música muy popular en Colombia hayan surgido de iniciativas discográficas independientes”.

Este es el caso de Sonidos Enraizados, un sello fundado en 2012 por Lucía Ibáñez Salazar, una investigadora, videógrafa y gestora de música tradicional junto con Urián Sarmiento, percusionista, productor e investigador que ha grabado varios tipos de música tradicional colombiana desde el 2003. El sello se centra en grabar música de comunidades en áreas remotas del Caribe colombiano, el Pacífico, los Llanos Orientales, la selva del Amazonas y de la región Andina. Este esfuerzo ha producido discos de artistas como Paíto, el último representante de la gaita negra en Colombia, y Carmelo Torres, el heredero de la cumbia sabanera del “rey de la cumbia”, Andrés Landero. 

Sonidos Enraizados tiene tres aproximaciones: la investigación musical, producción y la circulación. Desde su fundación, el sello ha sido un referente de la música regional colombiana y un reflejo de una manifestación que está en constante evolución. Al mismo tiempo, ha hecho visibles a varias comunidades musicales a un nivel local e internacional.

Recientemente, Sonidos Enraizados se alió con cuatro sellos independientes que emergieron casi al tiempo (Polen, Llorona, Palenque y Tambora) para crear el primer compilado llamado “Meet the Colombian Music Powehouses Vol. 1”. Este ya está disponible en varias plataformas virtuales, cuya colaboración busca divulgar sus producciones físicas y digitales a una audiencia más amplia.

En los últimos años, el surgimiento de plataformas digitales ha abierto muchas posibilidades para expandir el mercado musical colombiano a un panorama internacional. Pese a que en este momento las reproducciones de música en internet sobrepasan las ventas de discos físicos, estos sellos independientes tratan de mantener su independencia creativa. Finalmente, el apoyo a los creadores tanto locales como urbanos ha sido fundamental para apoyar la nueva música colombiana, que tiene una creciente influencia a nivel global.

El pop folk de Surcos está más vivo que nunca en ‘Enséñame a bailar’

Empezó mayo, el quinto mes del año y en este mes muchos artistas estarán lanzando álbumes y sencillos para poder aplicar a la próxima edición de los Premios Latin Grammy. Mayo es conocido por ser la temporada favorita para poder pegar canciones que tienen pinta para ser consideradas como “la canción del verano”. Todos los géneros musicales en Colombia están trabajando 24/7 para poder crear piezas que sean recordadas por décadas gracias a su letra, ritmos e impacto. ¡Celebramos la diversidad de la música nacional!

Enséñame a bailar – Surcos

¿Quién está detrás? Surcos es folk accidental, en palabras de la propia banda, y muchas de sus letras están llenas de melancolía. La canción, que es una mezcla de pop con elementos sonoros alternativos, fue producida por Juan Felipe Ochoa y Álvaro Valencia en Palosanto Studio, en Bogotá, mezclada por Mateo Lewis, en Estados Unidos, y masterizada por Carlos Freitas en Classic Master, Brasil.

¿De qué trata? Surcos le da una nueva mirada a su música dejando atrás el sentimiento de tristeza y dando vida a una canción de amor, que invita a la alegría y a olvidar el dolor.

¿Sobre el video qué? El video cuenta con una estética muy clásica donde hay cuatro parejas que están aprendiendo a bailar en una pista de baile. Al final se ve cómo las parejas aprendieron sus pasos y están listos para gozarse la música.

¿Cuándo escucharla? Parece perfecta para poner a las 6 am de lunes a viernes y llenarse de buena energía. Ojalá pronto anuncien gira y nos ‘enseñen a bailar’ desde su tarima.

Mastering for Vinyl: Tips for Digital Mastering Engineers

by Jett Galindo, iZotope Contributor March 25, 2019

Since the resurgence of vinyl in the mid-2000s, vinyl sales have shown no signs of slowing down. But with its return comes a new set of challenges for the aging medium—new genres with increasingly complex production styles, the major paradigm shift from analog to digital production, and evolving audio mastering standards (just to name a few). How does the old medium fare in a brave new world? Has mastering for vinyl evolved since its recent resurgence?

Part 1 of this article dives into the unique characteristics of the vinyl format. We also discuss the decades-long strategies used by cutting facilities and mastering engineers to ensure the best representation of modern music on vinyl. 

Part 2 will be an exploration of the format’s resurgence in the perspective of today’s music creators and engineers.

How do you choose a tool when mastering?

A great rule of thumb when determining whether a tool is best served when mastering or mixing is to consider the UI and how you engage with it. The tools themselves aren’t that different between mixing and mastering, but how you engage with them is. 

Mixing and mastering are two different workflows, something mightily apparent when you consider Neutron and Ozone. There is a noted difference in scale between measurements, and in how the tools are laid out. 

Quirks of the format and strategies to address them

Vinyl has notable characteristics that cutting and mastering engineers need to be aware of when mastering for the format. The strategies below have all been time-tested and are even more useful for today’s diverse selection of music. However, thoughtfulness and nuance are key.

One such nuance is the relation between level and length of time. Simply put, the louder the signal, the bigger the groove…the bigger the groove, the more space is used, hence less total time can be fit on a side. Other instances of vinyl-isms deal with factors such as sibilance, low-end stereo imaging, music programming, etc. which we’ll explore in detail below.

Before you read any further, it’s important to remember as a music creator that creative freedom in the production process remains a top priority. The tips below serve as a guide and should not limit your workflow and production techniques. Depending on the music, any of these nuanced ‘vinyl-isms’ could behave differently and are best handled at the discretion of professional vinyl-cutting engineers. However, understanding them will help in all stages of production towards achieving a great sounding record.

Sibilance

Due to the physical constraints of the format, severe sibilance on modern records tends to manifest itself as distortion on turntables. Sibilance distortion can also be caused by a worn stylus or cartridge misalignment, among other things. But if excessive sibilance in your music isn’t properly addressed before the cutting of your vinyl master (also known as lacquer/acetate), you can expect your vinyl record to distort.

What causes sibilance distortion?

Sibilance distortion happens when your playback cartridge can’t physically keep up with the rapid, complex modulations of severely sibilant grooves.

This is especially apparent because of vinyl’s RIAA EQ curve standard. Without going into its entire history, audio signals are cut into the vinyl master with a reduced low end and boosted highs. Consequently, turntables have an inverse EQ curve which results in flat frequency response on playback, like in the image below.

The RIAA EQ curve for recording/cutting vinyl masters and for playback on turntables

The RIAA curve allows for more music to fit on a vinyl record resulting in a longer runtime, among several other advantages. One downside, however, is that this boosted top end can also cause extremely fast, complex grooves that even the finest turntable can’t accurately trace. The result is a broken, distorted sound anytime the stylus plays over severely sibilant parts of the record.

How to avoid sibilance distortion

Vinyl mastering facilities rely on de-essers that are built for this particular problem. Several known outboard de-essers through the years include the Maselec MDS-2 and the Orban 536-A. But many vinyl cutters have been benefitting from the constant development and growing versatility of the plug-in world. Peter Hewitt-Dutton of The Bakery takes advantage of de-esser plug-ins particularly for half-speed vinyl cutting.

“I like the ease of being able to cut half-speed without needing to do a de-ess pass first. Real-time sibilance adjustments while the cutting lathe does its job keeps the session efficient.”

Manual de-essing of a digital cutting source is also a preferred method for many vinyl cutters and mastering engineers. iZotope RX 7’s De-ess module does an excellent job of isolating harsh sibilance with a transparency that’s suitably unobtrusive to the overall sound of the master. Remember though, there are many dos and donts of de-essing.

Using iZotope RX 7’s Spectral De-ess module to minimize harsh sibilance on a master

Low-frequency stereo imaging

Music with spatial effects that reach all the way to the low end of the frequency spectrum may potentially run into vinyl-cutting challenges. Although it’s more prone on genres such as electronic or hip-hop, even orchestral recordings can run into similar problems. When not given proper attention, you may end up with a record that’s prone to skipping.

The cause

Grooves represent the mono/center information as lateral movement and the stereo/side component as vertical movement. If there’s an extreme amount of low-end stereo imaging on your music, it is more likely to produce out-of-phase information. This may cause the cutting stylus to cut with excessive vertical movements, alternating between deeper grooves and severe groove lifts. An out-of-phase low end may cause groove lifts with depths less than 1 mil (the minimum accepted depth of a modulating groove). It could even cause grooves to momentarily disappear.


LEFT: Groove with severe out-of-phase information (less than 1 mil), versus RIGHT: the same groove with LFX

This phenomenon is much less common and doesn’t occur as often as sibilance distortions. Different cutting engineers rely on purpose-built tools in varying amounts to address this, so don’t let this vinyl constraint prevent you from being creative in the production process.

How are severe groove lifts avoided?

More often than not, applying a steep high-pass filter around the 20 Hz range is enough to prevent severe groove lifts from happening. But if absolutely necessary, vinyl cutting facilities rely on tools such as the low frequency crossover (LFX)—also known as EE (elliptical equalizer), “blend,” “mono-maker,” “wuss box,” etc. Simply put, it takes low-frequency stereo information and sums it to a mono signal, thus preventing excessive vertical modulations on the grooves. Before the digital revolution, LFX was built into a cutting facility’s mastering console. Nowadays, engineers have access to more digital options when mastering for vinyl.  

There needs to be absolute care when applying LFX. It can significantly alter the sound when not used properly. LFX typically has crossover settings from 20 Hz all the way to 700 Hz. Setting LFX to 100 Hz is already considered excessive by many vinyl cutters. Discretion is a must!

Music programming (length & track order)

Even the duration and order of songs can greatly influence your record’s sound quality. Both of these factors come into play in the inner diameter of the record, where sound quality starts to deteriorate. The farther in you are, the more brittle the highs sound. The overall sound becomes less pronounced at the top end compared to other parts of the disc.

Longer music content takes up more groove space, bringing you farther inside the disc causing the deterioration to become more noticeable. These sonic characteristics are also more apparent depending on the music. Music with a lot of energy and pronounced highs (e.g. fast upbeat songs, loud rock tracks, etc.) are more prone to these issues.

What causes sound deterioration on the innermost grooves?

Sound deterioration on the innermost grooves is caused by the slower groove speed as the stylus moves towards the center of the record. Keeping a constant revolution (either 33 ⅓ RPM or 45 RPM), the length of the groove for one revolution varies in relation to where it is on the disc. At 33 ⅓ RPMs, the outermost groove has a groove speed of 20 inches per second while the innermost diameter runs at a mere 8.3 inches per second.

This slow groove speed causes both cutting losses and tracking losses. The cutting stylus ends up having to fit much more sonic information in a shorter, smaller amount of groove space, causing more complex and rapid groove modulations. Because the playback stylus struggles to accurately trace these grooves, you end up compromising the fidelity of your top end.

How can you avoid this noticeable deterioration?

The nature of the format means you can never completely eliminate this deterioration. You can, however, lessen its impact. By keeping the running time per side at an optimal length, you can avoid the innermost diameter. Although it will ultimately depend on the musical content, keeping the length of each side of your record to 20 minutes or less would usually provide the best results. You can get away with having a longer side, especially if the musical content is dynamic and not loud throughout.

Another strategy to prevent the noticeable deterioration on the innermost diameter is by making sure that the last track on each side is less intense with a more mellow high-frequency range (e.g. a ballad, a laid-back instrumental track, acoustic song, etc.).

Addressing vinyl constraints with level reduction

Ultimately, a quick and easy way to deal with these quirks in the vinyl format is to reduce the level from the cutting master. But it comes with major caveats if not done responsibly.

Reducing the cutting level lessens the risk of sibilance distortion. Less amplitude means less stress on the playback stylus, giving it a better chance of tracing grooves more accurately and avoiding distortion. You can also avoid the undesirable characteristics of the innermost diameter. Reducing the cutting level decreases the overall groove width, requiring less space to cut, thus avoiding the inner surface of your record. You also reap the same benefits when dealing with music that has a lot of low-end vertical information. There’s less risk of severe groove lifts when cutting your vinyl master at a lower level, or in a similar vein, applying a steep high pass filter at the low end to lessen the cutting level of the bass frequencies.

Despite all these advantages, significantly lowering the cutting level can potentially bring down your record’s signal-to-noise ratio to unacceptable levels. The surface noise could increase dramatically, therefore compromising the overall fidelity of your music.

Mastering for vinyl (additional thoughts)

There are additional ways for engineers to properly prepare their masters for vinyl. It’s worth noting that it’s incredibly common for vinyl cutting facilities to cut lacquer masters straight from a standard digital master source. But taking these extra steps can only add to the efficiency and overall audio quality of the vinyl cutting process.

  • Exporting: Export fully-assembled SIDE A & SIDE B masters. Rather than delivering the individual files, exporting each side as its own cutting master lessens the margin of error on both the sequence and spacing.
  • PQ Logs: Including a proper PQ log for each side lessens the time it takes for the vinyl cutter to identify where the band marks (track starts) are throughout the record. You can obtain a PQ log from any standard mastering DAW or from DDP programs like the Sonoris DDP Creator.
  • Catalog/Scribe numbers: Scribe numbers are a unique string of alphanumeric characters determined by the client that is etched on to the lacquer master to help identify a vinyl record throughout the manufacturing process. Numerous vinyl cutting sessions have had unnecessary delays because of scribe numbers not being ready on time. The sooner your clients have their scribe numbers ready, the smoother the vinyl manufacturing process will go.
  • Digital cutting master: If the client’s budget permits, having a separate digital cutting master that bypasses the limiter has added benefits in the vinyl world, where the loudness wars aren’t as pervasive. The transients in your music would benefit from the headroom of the format.
  • Native sample rate: Once again, if the client’s budget permits, deliver your cutting master at the native sample rate the music was mixed at, but at 32-bit. This helps reduce the loss in quality moving from one system (the mix) to another (the master).

Despite vinyl being an aging medium with notable constraints as a format, there are numerous strategies being taken that allow modern music to thrive on vinyl. Regardless of these constraints, vinyl still continues to grow and disprove naysayers on their perceived notion of the format’s lack of longevity.

Stay tuned for Part 2 as we delve deeper into the thriving world of vinyl through the perspective of today’s vinyl-centric industry pros. In addition to a few listening examples, we’ll also dive into a conversation about current trends, standards and innovations in the vinyl industry.

Fonte: site Izotope https://www.izotope.com/en/blog/mastering/mastering-for-vinyl-tips-for-digital-mastering-engineers.html

“Entre canciones” con Inés Gaviria

El álbum, que se llama “Entre canciones”, es una compilación de algunas de sus canciones favoritas que fueron éxitos en la voz de otros artistas y que ahora ganan vida nueva en esas versiones y estará disponible en todas las plataformas digitales a partir de julio de este año y está siendo masterizado aquí en Classic Master.

Poco a poco, Inés presentará las canciones y sus invitados, entre ellos Santiago Cruz, Sión, Marbelle, Ilona, Karol Márquez, Alejandro González, Samper y Paula Arenas.

La producción del álbum quedó a cargo del talentoso productor Carlos Taboada “El cubanito”, que junto a Inés trabajó durante varios meses para proponer nuevas versiones con un gran desafío en mente: combinar los estilos musicales de todos los invitados y rescatar la esencia acústica. de las canciones en un disco 100% desconectado o “desconectado”.

En “Doble vía” les pidió a sus seguidores que la ayudaran con los temas para componer sus nuevas canciones y, además, les pidió su opinión sobre qué versiones querían escuchar en su voz, ¿por qué?          

Sí, para mí es muy importante el poder saber la opinión de las personas que me siguen y en proyectos como este me encanta que me den ideas. A veces hay temas (como en Doble vía) que no sé. Se me ocurren canciones (como en este disco Entre canciones) que me encantan, pero de pronto no me vienen a la mente de primerazo.

¿Cómo surgió la idea de darles nueva vida a estas canciones que ya se consideran clásicos de la música en español?
Surge precisamente de una idea para interactuar con mis seguidores y preguntarles por aquellas canciones que recordaban y querían volver a oír en versiones novedosas. Para mí era algo novedoso, pues nunca había hecho covers o versiones de canciones de otros artistas.

La idea al principio era más “sencilla” por decirlo de alguna manera, pues hacíamos versiones en vivo con video al mismo tiempo, pero me gustó tanto el resultado que decidí convertirlo en disco e invitar artistas amigos a que me acompañaran. El resultado es este disco Entre canciones que vengo presentando tema por tema.

¿Qué proyectos vienen para Inés Gaviria en este 2019?

En la primera mitad del año seguiré presentando las canciones que aún no he mostrado, con invitados como Santiago Cruz, Ilona y Karoll Márquez, entre otros. En mayo, por lo menos esa es la idea, quiero presentar el disco entero y me meto de nuevo al estudio para trabajar en lo que venga nuevo mío y presentar otra propuesta como cantautora.

¿Fue fácil para usted convocar a artistas como Marbelle, Siam y Alejandro González para grabar estas canciones?
Fui muy afortunada con todos mis invitados, todos me dijeron que sí desde el principio. Con todos me conozco desde hace rato y creo que la idea les llamó la atención. Sin duda es algo que a todos nos saca de lo que veníamos haciendo y nos dio la posibilidad de escoger esas canciones que a uno siempre le gustaron y que uno se pregunta: ¿cómo será una versión mía de ella?

La hemos escuchado haciendo un vallenato en pop en “Obsesión”. ¿Ha pensado en otra versión de un clásico como ese?
En el disco no incluí vallenatos. “Obsesión” es de las canciones que más me gusta desde siempre. Esa versión que hicimos con mi hermano (José Gaviria) para el disco de Mujeres por Colombia me encanta y la canto siempre en vivo en los conciertos.

Con “Tu cárcel” incursionó en un sonido más popular. ¿Se imaginó alguna vez cantar canciones de este género?
A mí la música popular me encanta; si bien no canto popular sí he escrito muchos temas para grupos que cantan regional mexicano, pero como cantante me siento más afín con el pop.

¿Cómo escogió las canciones para lo que será su nuevo disco “Entre canciones”?
Fue una combinación de varias cosas: las canciones que me sugirieron, las que el artista invitado quería y las que yo tenía en una lista de mis preferidas. De pronto se me quedó por fuera alguna de Presuntos Implicados, que era mi grupo preferido.

En su faceta de cantautora, ha seguido escribiendo canciones propias, pero ¿sigue escribiendo para otros artistas?
Durante 2018 no tanto porque estuve metida de cabeza en varios proyectos, pero esa es mi meta para 2019: retomar mi faceta de compositora con más fuerza.

¿Y un disco inédito y propio para cuándo?
Ya tengo canciones escritas. Espero poder grabar pronto y por lo menos presentarles un nuevo sencillo en la segunda mitad del año.

La música y el arte siempre han estado presentes en su familia. ¿Tuvo la colaboración de sus hermanos en este nuevo proyecto?
Mis hermanos siempre son parte de lo que hago, ya sea trabajando con ellos o aconsejándome. Este disco fue producido por un amigo muy talentoso, Carlos Taboada. José mezcló “Palabras del alma” y Carlos me ha ayudado con las portadas de algunas de las canciones, como las de Marbelle y Alejandro González.

“O Menino Que Descobriu o Vento”, Filme da Netflix dirigido por Chiwetel Ejiofor com música de Antonio Pinto.

Adaptação de livro de William Kamkwamba chega ao streaming no dia 1° de março.

Netflix divulgou o trailer de “O Menino Que Descobriu O Vento”, adaptação do livro homônimo escrito por William Kamkwamba e que marca a estreia de Chiwetel Ejiofor (“A Caminho da Fé”) na direção.

Baseado em fatos, a trama narra a história do garoto William Kamkwamba (Maxwell Simba), que aos 13 anos descobriu uma maneira de ajudar o seu pequeno vilarejo em Malawi. Usando partes da bicicleta pertencente ao seu pai Trywell (Ejiofor), ele constrói um moinho de vento para salvar sua aldeia da fome.Além de Ejiofor, o elenco conta com o estreante Maxwell Simba no papel principal, Lemogang Tsipa (“Tróia: A Queda da Cidade”), Noma Dumezweni (“O Retorno de Mary Poppins”), Aïssa Maïga (“Bem-vindo a Marly-Gomont”) e Joseph Marcell (“Um Natal Inesperado”).

A Música foi composta por Antonio Pinto e teve a sua trilha sonora gravada no Air Studios Londres e mixado pelo lendario John Kurdlander no estúdio Abbey Road também em Londres e masterizado pelo Carlos Freitas aqui na Classic Master para Stream.

“O Menino Que Descobriu O Vento” teve a sua estreia no dia 1° de março na Netflix e terá exibições em alguns cinemas dos EUA.

Djavan lança clipe de “Esplendor” com Jorge Drexler.

Djavan divulgou recentemente no YouTube o clipe “Esplendor”, uma versão em espanhol de “Meu Romance”. A faixa conta com a participação do uruguaio Jorge Drexler.

“Achei que essa música tinha uma latinidade bem acentuada, um boleiro espanhol. Pensei no Jorge Drexler porque além dele ser um grande poeta, um grande compositor, ele é uma pessoa por quem eu sempre tive uma curiosidade, saber um pouco mais dele e de sua história. Ele adorou a ideia”, afirmou Djavan em vídeo também divulgado em seu canal.

O compositor uruguaio tratou de adaptar a letra em espanhol. “Vocês entendem a emoção profunda, que significa para um cantor e compositor ser convidado por seu mestre para fazer parte do seu disco, é um sonho realmente”, disse Jorge.

A música foi gravada e mixada no estúdio do Djavan no Rio pelo Marcelo Saboia e masterizado aqui na Classic Master pelo Carlos Freitas.